La evolución de la Escultura Italiana
1.- El Quattrocento
1.1.- Características generales
La escultura italiana de este periodo nace, como la arquitectura, apoyada en los modelos
clásicos pero sin desvincularse totalmente de las enseñanzas de los grandes maestros del
Trecento y con numerosas aportaciones e innovaciones procedentes del trabajo de los grandes
artistas. Como rasgos generales podemos citar:
clásicos pero sin desvincularse totalmente de las enseñanzas de los grandes maestros del
Trecento y con numerosas aportaciones e innovaciones procedentes del trabajo de los grandes
artistas. Como rasgos generales podemos citar:
- Empleo de materiales diversos, en especial mármol y bronce y también barro cocido y
- cerámica vidriada en el caso florentino.
- Perfección de formas frente a la función docente y religiosa medieval.
- La figura humana tratada con tipología clásica: desnudo, retrato y ecuestre.
- El cuerpo humano desnudo debe ajustarse al canon 9-10 cabezas.
- El retrato está en auge: cuerpo entero o bustos de gran realismo. Refleja la importancia del
- individuo en la sociedad.
- Estatuas ecuestres en lugares públicos.
- Variedad de temas. Además del género religioso, vemos surgir el nacimiento de temas profanos
- y alegóricos , mitológicos y retratos que abandonan la representación de tipo simbólico para centrarse en una imagen individualizada del personaje que representa
- Emancipación de los programas iconográficos medievales para interpretarlos como si de
- elementos alegóricos se tratase. Así el tema de David se convertirá en el símbolo del triunfo de la república florentina sobre sus enemigos
- Inspiración en los modelos de la Antigüedad en lo referente a la esbeltez de proporciones y
- al gusto por los detalles naturalistas propios del relieve narrativo romano
- Liberación de los marcos impuestos por la arquitectura para desarrollaren toda su plenitud las
- técnicas tanto de bulto redondo como del relieve.
- El artista es un genio admirado por sus contemporáneos.
1.2.- Autores y obras
El primer escultor que puede ser considerado como plenamente renacentista es Lorenzo Ghiberti
(1378-1455), orfebre, escultor, arquitecto, tco del arte “Comentarios” (autobiografía y referencias a
artistas de su tiempo) que en 1402 vence en el concurso de ejecución para las Puertas del Baptisterio
de Florencia, concurso en el que también participaba Brunelleschi y della Quercia. Distribuidas aún
a la manera gótica, con medallones lobulados muestran, sin embargo, una gran novedad en el
tratamiento de la anatomía y en el interés por la naturaleza.
(1378-1455), orfebre, escultor, arquitecto, tco del arte “Comentarios” (autobiografía y referencias a
artistas de su tiempo) que en 1402 vence en el concurso de ejecución para las Puertas del Baptisterio
de Florencia, concurso en el que también participaba Brunelleschi y della Quercia. Distribuidas aún
a la manera gótica, con medallones lobulados muestran, sin embargo, una gran novedad en el
tratamiento de la anatomía y en el interés por la naturaleza.
En 1425 se le encargan las segundas puertas del Baptisterio que decide organizar de manera
diferente: diez grandes recuadros rectangulares con escenas de composiciones complejas en las
que se muestra un gran interés por la introducción de la perspectiva, ordenando la composición en
planos que están graduados por el uso que el artista hace de las luces y de las sombras.
La inspiración clásica es evidente. Basta con recordar los relieves del Ara Pacis y los de la Columna
Trajana. Autoretrato.
diferente: diez grandes recuadros rectangulares con escenas de composiciones complejas en las
que se muestra un gran interés por la introducción de la perspectiva, ordenando la composición en
planos que están graduados por el uso que el artista hace de las luces y de las sombras.
La inspiración clásica es evidente. Basta con recordar los relieves del Ara Pacis y los de la Columna
Trajana. Autoretrato.
Vasari dijo “obras hechas con un soplo”
DONATELLO
Nace en Florencia de un cardador de lana. Aprendiz de orfebre. Discípulo de Ghiberti.
Amigo de Brunelleschi con el que viajó a Roma a estudiar las ruinas.
Amigo de Brunelleschi con el que viajó a Roma a estudiar las ruinas.
- Interés en figuras aisladas
- Expresividad, fidelidad a la realidad, abundancia de motivos formales.
- Reflejó des de la infacia a la vejez, los estados de ánimo
3 ETAPAS:
1- 1414- 1425: influencias góticas y tendencias clásicas (hormacinas pero autonomía respecto
al marco arquitectónico)
al marco arquitectónico)
San Marcos (contraposto)/ San Jorge/esculturas campanille (Habacuc)/ San Juan evangelista (Moises)
2- 1425 – 1443 Florencia, Prato, Padua y Roma
David bronce( para Medici)/ Sepulcro (Michelozzo)/ Púlpito Catedral de Prato/Coro cantoría Catedral
Florencia
Florencia
3- Expresividad, realismo, dramatismo
Condotierro Gattametalta Pdua (idea de Gloria), Magdalena Penitente
Finalmente no podemos olvidar la obra de un grupo de artistas cuyas obras en cerámica vidriada
forman parte de la ciudad de Florencia tanto como sus edificios. Lucca della Robbia (1400-1482)
es el creador de este estilo que se caracteriza por la utilización de figuras blancas sobre fondos
azules y con elementos vegetales de gran colorido. “Medallones de los Inocentes” Además, Lucca
fue un excelente escultor en mármol y, como Donatello, también realizó una Cantorías para la
catedral de Florencia. Su estilo tendrá numerosos continuadores hasta bien entrado el siglo XVI.
forman parte de la ciudad de Florencia tanto como sus edificios. Lucca della Robbia (1400-1482)
es el creador de este estilo que se caracteriza por la utilización de figuras blancas sobre fondos
azules y con elementos vegetales de gran colorido. “Medallones de los Inocentes” Además, Lucca
fue un excelente escultor en mármol y, como Donatello, también realizó una Cantorías para la
catedral de Florencia. Su estilo tendrá numerosos continuadores hasta bien entrado el siglo XVI.
Jacopo della Quercia. Catedral de Bolonia. Influye en Miguel Ángel por su gusto por las formas
grandilocuentes y la fuerza de sus anatomías.
grandilocuentes y la fuerza de sus anatomías.
En Venecia, Andrea Verrocchio (1435-1488), maestro de Leonardo y también pintor y orfebre,
realiza la estatua ecuestre del condottiero Colleoni en la que, a partir de la obra de Donatello,
logra una mayor expresividad a través del rostro del personaje que denota sus dotes para el mando.
La composición es un ejemplo de medida y de cálculo. El caballo se apoya solo en tres de sus patas,
lo cual obliga a un estudio de los volúmenes para equilibrar el peso de la escultura. Al mismo tiempo
, el animal gira el cuello para contraponerse a la posición del jinete.
realiza la estatua ecuestre del condottiero Colleoni en la que, a partir de la obra de Donatello,
logra una mayor expresividad a través del rostro del personaje que denota sus dotes para el mando.
La composición es un ejemplo de medida y de cálculo. El caballo se apoya solo en tres de sus patas,
lo cual obliga a un estudio de los volúmenes para equilibrar el peso de la escultura. Al mismo tiempo
, el animal gira el cuello para contraponerse a la posición del jinete.
2.- El Alto Renacimiento y el Manierismo
2.1.- Características generales
En contraposición con el siglo XV, y en estrecha relación con lo sucedido en la arquitectura,
el siglo XVI manifiesta un predominio de lo romano sobre lo florentino y en consecuencia una
mayor tendencia hacia la monumentalidad. Se abandonan ahora los rasgos de delicadeza propios
del primer renacimiento para optar por composiciones más grandiosas y con menor interés por el
detalle en aras de unas formas que adquieren pleno significado en sí mismas.
el siglo XVI manifiesta un predominio de lo romano sobre lo florentino y en consecuencia una
mayor tendencia hacia la monumentalidad. Se abandonan ahora los rasgos de delicadeza propios
del primer renacimiento para optar por composiciones más grandiosas y con menor interés por el
detalle en aras de unas formas que adquieren pleno significado en sí mismas.
Sin duda alguna, la obra de Miguel Angel Buonarotti (1475-1564) marca todo el periodo. Arquitecto
y pintor, el artista florentino se consideraba por encima de todo escultor y concebía su proceso
creador como una experiencia mística y atormentada que se llevaba a la práctica mediante un gran
esfuerzo físico. La influencia de este artista se prolongará a lo largo de la segunda mitad del siglo
XVI, si bien con una tendencia a la elegancia, un tanto amanerada que va a caracterizar a las artes
figurativas durante el manierismo.
y pintor, el artista florentino se consideraba por encima de todo escultor y concebía su proceso
creador como una experiencia mística y atormentada que se llevaba a la práctica mediante un gran
esfuerzo físico. La influencia de este artista se prolongará a lo largo de la segunda mitad del siglo
XVI, si bien con una tendencia a la elegancia, un tanto amanerada que va a caracterizar a las artes
figurativas durante el manierismo.
2.2.- La obra escultórica de Miguel Ángel.
Sus inicios como escultor tienen lugar en Florencia, su ciudad de nacimiento, de la mano de los
Médicis. En este momento recibe las influencias de la escultura clásica y de la obra de Donatello,
además de interesarse por la filosofía neoplatónica en la Academia de su ciudad natal. A su llegada
a Roma se pone en contacto directo con las obras de la Antigüedad que existían en las colecciones
vaticanas, mucho más ricas y variadas que las mediceas. En este momento esculpe la Piedad
Vaticana (1495). Se trata de una composición piramidal, pero muy equilibrada, con volúmenes puros
y cerrados y un acabado del material con grandes calidades pictóricas presentes en el juego de los
paños y el estudio de la anatomía del cuerpo de Cristo. En 1503 vuelve a Florencia y esculpe la
colosal imagen del David para la Plaza de la Signoria. Nos encontramos aquí con un tema que ya
se había tratado en el Quettrocento, aunque con un estilo diferente., Miguel Ángel no se inspira ya
en los prototipos creados por Donatello o Verrocchio sino en las representaciones clásicas que
había estudiado durante su estancia en Roma. Ya están en esta obra todos los principios de estudio
anatómica, fuerza y expresividad que caracterizarán sus creaciones posteriores, Entre los años 1505
y 1534 se desarrolla el periodo de madurez del artista, periodo que se desarrolla en torno a dos
grandes obras, una romana, la Tumba de Julio II y una florentina, las tumbas de los Médicis en la
Iglesia de san Lorenzo. La primera de ellas respondía a un proyecto en el cual se integraba una
estructura arquitectónica y un conjunto de cuarenta esculturas de tamaño natural. Miguel ángel se
lanzó más a la realización de las figuras que a la arquitectura que, por razones políticas y económicas
, acabó reduciéndose a la Talla de Moisés, las esculturas de Lía y Raquel y a las imágenes de
algunos esclavos que hoy se encuentran en el Museo del Louvre. Con respecto a la segunda, a lo
largo de los veinte años durante los cuales tardó en concluir el encargo del Papa y las pinturas de la
bóveda de la Capilla Sixtina, el artista esculpió también las esculturas destinadas a la decoración de
las tumbas de los Médicis en Florencia (1520-1534). Estas figuras se enmarcan en un programa
iconográfico muy influido por el neoplatonismo florentino. Se trata de las figuras sedentes de
Giuliano, joven guerrero y Lorenzo conocido como Il Pensieroso por su actitud de pensador. Ambos
representan los dos caminos para llegar a Dios, la vida activa y la vida contemplativa y se unen a
unas figuras muy vinculadas a la escultura helenística: El Día y la Noche y la Aurora y el Crepúsculo
que aluden al principio y al fin de la existencia humana.
Médicis. En este momento recibe las influencias de la escultura clásica y de la obra de Donatello,
además de interesarse por la filosofía neoplatónica en la Academia de su ciudad natal. A su llegada
a Roma se pone en contacto directo con las obras de la Antigüedad que existían en las colecciones
vaticanas, mucho más ricas y variadas que las mediceas. En este momento esculpe la Piedad
Vaticana (1495). Se trata de una composición piramidal, pero muy equilibrada, con volúmenes puros
y cerrados y un acabado del material con grandes calidades pictóricas presentes en el juego de los
paños y el estudio de la anatomía del cuerpo de Cristo. En 1503 vuelve a Florencia y esculpe la
colosal imagen del David para la Plaza de la Signoria. Nos encontramos aquí con un tema que ya
se había tratado en el Quettrocento, aunque con un estilo diferente., Miguel Ángel no se inspira ya
en los prototipos creados por Donatello o Verrocchio sino en las representaciones clásicas que
había estudiado durante su estancia en Roma. Ya están en esta obra todos los principios de estudio
anatómica, fuerza y expresividad que caracterizarán sus creaciones posteriores, Entre los años 1505
y 1534 se desarrolla el periodo de madurez del artista, periodo que se desarrolla en torno a dos
grandes obras, una romana, la Tumba de Julio II y una florentina, las tumbas de los Médicis en la
Iglesia de san Lorenzo. La primera de ellas respondía a un proyecto en el cual se integraba una
estructura arquitectónica y un conjunto de cuarenta esculturas de tamaño natural. Miguel ángel se
lanzó más a la realización de las figuras que a la arquitectura que, por razones políticas y económicas
, acabó reduciéndose a la Talla de Moisés, las esculturas de Lía y Raquel y a las imágenes de
algunos esclavos que hoy se encuentran en el Museo del Louvre. Con respecto a la segunda, a lo
largo de los veinte años durante los cuales tardó en concluir el encargo del Papa y las pinturas de la
bóveda de la Capilla Sixtina, el artista esculpió también las esculturas destinadas a la decoración de
las tumbas de los Médicis en Florencia (1520-1534). Estas figuras se enmarcan en un programa
iconográfico muy influido por el neoplatonismo florentino. Se trata de las figuras sedentes de
Giuliano, joven guerrero y Lorenzo conocido como Il Pensieroso por su actitud de pensador. Ambos
representan los dos caminos para llegar a Dios, la vida activa y la vida contemplativa y se unen a
unas figuras muy vinculadas a la escultura helenística: El Día y la Noche y la Aurora y el Crepúsculo
que aluden al principio y al fin de la existencia humana.
A partir de este momento, las tallas ya no van a presentar el acabado característico de sus primeras
obras sino que van a manifestar el deseo del artista por mostrar el non finito, lo inacabado que alude
a lo fugaz de la existencia humana. Estas últimas obras coinciden con una crisis espiritual y personal
en la vida del escultor, como lo demuestran los poemas de sus últimos años, llenos de amargura y
de soledad. Esta crisis personal coincide con el espíritu de la Contrarreforma y encuentra en el Tema
de la Piedad el campo perfecto para expresar estos sentimientos. De esta manera han de
entenderse la Piedad de Santa María dei Fiore (1550-1553) y la Pietá Rondanini (1564)
obras sino que van a manifestar el deseo del artista por mostrar el non finito, lo inacabado que alude
a lo fugaz de la existencia humana. Estas últimas obras coinciden con una crisis espiritual y personal
en la vida del escultor, como lo demuestran los poemas de sus últimos años, llenos de amargura y
de soledad. Esta crisis personal coincide con el espíritu de la Contrarreforma y encuentra en el Tema
de la Piedad el campo perfecto para expresar estos sentimientos. De esta manera han de
entenderse la Piedad de Santa María dei Fiore (1550-1553) y la Pietá Rondanini (1564)
2.3 Otros escultores
Todos los escultores italianos del último tercio del siglo XVI manifiestan en mayor o menor grado la
influencia de Miguel ángel que en algunos casos es muy explícita- Baccio Bandinelli (1493-1560)
autor del grupo de Hércules y Caco en la Plaza de la Signoria de Florencia y en otros casos refleja
una mayor creatividad y elaboración personal- Benvenuto Cellini(1500-1574).
influencia de Miguel ángel que en algunos casos es muy explícita- Baccio Bandinelli (1493-1560)
autor del grupo de Hércules y Caco en la Plaza de la Signoria de Florencia y en otros casos refleja
una mayor creatividad y elaboración personal- Benvenuto Cellini(1500-1574).
Este último artista realiza el espléndido Perseo de la Loggia dei Lanzi de Florencia. Las fuentes de
inspiración se remontan a las primeras obras en bronce del Quattrocento, especialmente las de
Donatello y Verrocchio pero cubiertas por un estudio riguroso de la anatomía y una fuerza expresiva
derivada de la terribilitá que Miguel ángel había iniciado en el Moisés. Cellini trabajó en la corte de
Francisco I de Francia y va a ser el responsable, junto a Juan de Bolonia (1529-1608) de la
extensión de las innovaciones estéticas del manierismo en el resto de Europa.
inspiración se remontan a las primeras obras en bronce del Quattrocento, especialmente las de
Donatello y Verrocchio pero cubiertas por un estudio riguroso de la anatomía y una fuerza expresiva
derivada de la terribilitá que Miguel ángel había iniciado en el Moisés. Cellini trabajó en la corte de
Francisco I de Francia y va a ser el responsable, junto a Juan de Bolonia (1529-1608) de la
extensión de las innovaciones estéticas del manierismo en el resto de Europa.
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